Narración y Montaje – elementos esenciales para el relato de la historia

Guionista y director tienen la suprema responsabilidad de presentar en la pantalla una historia contundente de manera efectiva e interesante para su público. A lo largo de los anos, las técnicas de narrativa se han diversificado y existe una gran variedad que logra captar la atención del espectador generando tensión, emoción y lo más importante - anticipación. Los inicios de esta gestión se pueden encontrar en el Cine Americano con los siguientes dos directores:

1. Edwin S. Porter (1870 – 1941)

Con dos cortos producidos en 1902 y 1903 (Life of an American Fireman y The Great Train Robbery, respectivamente), Porter ayudo a desarrollar el concepto moderno de montaje (edición) y continuidad en una película. Inspirado por el trabajo de Georges Melies y Ferdinand Zecca, Porter fue pionero del cine narrativo como sustituto novedoso de la página escrita en la noticia periodística o del comentario social y del cine contemplativo y documentalista que se venía practicando. Life of an American Fireman marca el nacimiento del relato cinematográfico y del montaje paralelo que le permiten a la audiencia seguir la historia a pesar de los brincos y cambios de escenario dentro de la misma película, es decir -- la historia posee una línea temporal continua a pesar de que el espacio en la misma aparece fragmentado, pudiendo seguir así el curso de los acontecimientos de una situación a otra.

Junto a Life of an American Fireman, The Great Train Robbery implementa la narrativa más común del cine y la más rudimentaria a la hora de contar una historia: la manifestación Aristotélica de 3 actos (presentación, nudo y desenlace). En el primer acto se plantea el mundo en equilibrio (o lo que puede aparentar ser), así como la presentación de los personajes. En el segundo acto ocurre una ruptura de este equilibrio y se desata el esfuerzo por re-establecerlo, fijando así el conflicto / nodo central. En el tercer acto el equilibrio se recupera y acontece el desenlace. Durante esta presentación de The Great Train Robbery, se aprecia el montaje paralelo que alterna entre acciones en distintos escenarios ocurriendo simultáneamente (cross-cutting). The Great Train Robbery es considerada el primer film de acción y primer Western, con una última escena de una pistolero que mira y dispara a la pantalla – escena celebre y homenajeada en películas de Scorsese (Hugo, como hito en la historia del cine & Goodfellas, de manera alegórica con el personaje de Joe Pesci haciendo lo mismo en pantalla).

The Great Train Robbery (Edwin S. Porter, 1903)

Goodfellas (Martin Scorsese, 1990)

2. D.W. Griffith (1875 – 1948)

D.W. Griffith tuvo sus inicios en el teatro y pronto se dio cuenta de su habilidad para percibir las historias que la gente deseaba ver. En el momento en el que el cine vivió el nacimiento de los estudios y las grandes salas para proyectar a las masas, Griffith se percató de las posibilidades comerciales con los elementos que atraen a una mayor cantidad de público. Griffith se concentró en realizar épicas de reconstrucción histórica y convirtió al cine en un lenguaje elaborado con narración compleja, como lo fue el primer largometraje en la historia del cine: The Birth of a Nation (1915), que trata sobre la Guerra Civil en los Estados Unidos, el asesinato de Abraham Lincoln y el enpoderamiento del grupo Ku Klux Klan (KKK). El filme, de carácter histórico pero parcialmente ficción, es un hito en la historia del cine por varios elementos:

1. La controversia que genero su contenido, tildado de racista y propagandista para el KKK

2. Fue, hasta el momento, la producción más ambiciosa y sin precedentes, contado con cientos de extras, una banda sonora para sus 3 horas de duración, escenas de batalla perfectamente coreografiadas y uso detonante de técnicas cinematográficas que incluyen vistas o planos panorámicos, planos generales, primeros planos en close-ups (acercamientos) y fade-outs (fundidos) como unidades del montaje, así como la cámara móvil. Estas técnicas le dieron a la película la oportunidad de expresar emociones intensas, a veces contradictorias entre una escena y otra, generando contrastes entre espacios de gran escala y planos de rostros, ternura y ferocidad, vulnerabilidad y violencia.

3. Una continuidad narrativa que establece que el montaje, no la escena, es el núcleo de la expresión cinematográfica y la columna vertebral del lenguaje cinematográfico orientada a suscitar las emociones del espectador. El efecto de intensidad psicológica en el espectador se produce por el alternado programado de la homogenización del significante visual (cuanto vemos representado en la pantalla) y la homogenización del significado narrativo (relación entre las imágenes sucesivas).